Archivo diario: 07/26/2011

Estupendas recetas afrodisíacas:aunque la base fundamental son el Jenjibre,el Cardamomo y la Canela(yo añadiría un té de Muira Puama).Ah,y no se olviden del Ajo.

Maria Pilar Ibern (Gavina), profesora de cocina

“Jengibre, cardamomo y canela es la tríada afrodisiaca”

 

Foto: Gemma Miralda

69 recetas 69

Se hace llamar Gavina, que es como se sintió de niña al leer Juan Sebastián Gaviota.  Padeció dolencias físicas que sanó mediante dieta higienista vegetariana, y un día decidió añadirle alegría: hoy imparte talleres (lacuinadegavina.org) de cocina afrodisiaca: “Alumnas que llegan abatidas por un tratamiento oncológico ¡salen alegres, riendo!”, me cuenta.  Me da consejos: ni lácteos vacunos, ni pan, ni azúcar, endulzar con sirope de ágave, mango en ayunas…  Todo lo que Gavina sabe está en Las 69 recetas más afrodisíacas de la cocina vegetariana (Dofins Edicions), premio Gourmand 2010 al mejor libro de cocina en español y en Recetas vegetarianas para grandes ocasiones (RBA).

Qué me ofrece?

Una copa Afrodita.

 

¿Por qué la llama así?

Sus minerales, vitaminas y vistoso aspecto rojizo ¡invitan al amor!

 

¿Qué lleva?

Remolacha, alga dulse y yogur, bien batidos, con una pizca de comino en polvo y unos toques de molinillo de cinco pimientas. De esta crema viertes un poco en una copa de cristal, y luego trazas un círculo de crema de leche, que resbala formando nubes rosas… Luego, más crema, y repites. Y arriba, adorna con ramitas de cebollino.

 

¿Es afrodisiaco?

Sí. La cocina puede ser monótona y aburrida… o estimulante y divertida. Como vegetariana, quiero demostrar que comer sano no está reñido con la alegría y el goce.

 

¿Seré mejor amante según qué coma?

El pueblo hunza, en los valles del norte de Pakistán, tiene muchas personas centenarias que mantienen actividad sexual: comen cierto yogur y orejones de albaricoque…

 

¿Qué cocina es la más afrodisiaca?

La india: usa con profusión las tres especias más afrodisiacas que existen.

 

¿Qué tres especies son esas?

Jengibre, canela y cardamomo.

 

¿Qué tienen en común?

Tonifican las glándulas suprarrenales: activan la zona renal, que activa a su vez los órganos sexuales, lo que activa el corazón. Si las combinas, ¡mantendrás alta tu libido!

 

Deme una receta con las tres especias.

“Melón con bolitas pecadoras en baño de sueño oriental”: bolitas de melón, mango, melocotón, pera, cerezas deshuesadas y uvas peladas y deshuesadas, sumergidas en zumo de uva con jengibre fresco rallado, cardamomo, zumo de limón y canela.

 

¿Qué me aporta el jengibre?

¡El fuego! Antiséptico natural, activa la circulación sanguínea: en mujeres despierta la pasión, en hombres facilita la erección.

 

¿Y qué me da el cardamomo?

Es otro potente afrodisiaco, ¡ya citado en el Kamasutra!: es la base de la salsa curry.

 

¿Qué sentiré con esas bolitas?

En verano, fresquito, le dará gran placer… ¡y le reportará muchas energías!

 

Deme un primer plato afrodisiaco.

Arroz basmati al curry con setas: ese arroz es muy digestivo, el curry lleva cardamomo, jengibre, pimienta, clavo y otras especias, y las setas son afrodisiacas: ¡Casanova tomaba champiñones antes de sus citas sexuales!

 

¿Cuál es su especie favorita?

La canela, por ser más femenina. A mis amigas les sugiero frotársela en muñecas y nuca… y que se acerquen a sus parejas. ¡Es superafrodisiaca! El Kamasutra también la cita como un buen energizante.

 

Deme una receta con canela.

Crema de calabaza: saltea cebolla de Figueres (láminas) y puerro (rodajas) en el fondo de una olla con algo de aceite. Ya dorada la cebolla, añade un kilo de calabaza a tacos, una patata a taquitos, una rama de apio tierna y una cucharada de canela en polvo.

 

¿Y ya está?

Rehogas, cubres de agua caliente y toque de sal, cuece quince minutos, y añade jengibre en polvo. Luego, crema de leche (de soja o avena) y bate hasta lograr una crema fluida.

 

¿Cuándo me conviene esta crema?

Para una cena íntima en invierno, calentita…, y seguirán excitantes momentos.

 

¿Ha experimentado todas sus recetas?

Sí. Me falta probar mi mousse de fresas en el cuerpo de una pareja, y lamernos…

 

¿Hay también cócteles afrodisiacos?

Prueba mi cóctel seductor: mezcla una botella de cava frío, un ¼ de litro de zumo de naranja, ralladura de jengibre fresco y cardamomo en polvo. Se sirve en copas de cava glaseadas… ¡y rompe témpanos de hielo!

 

¿Hay alimentos más afrodisiacos?

Las frutas tropicales: ¡qué fogosos son allí!

 

Cíteme algunas.

El mango produce serotonina, la hormona de la felicidad: refuerza el sistema inmunológico y su zinc activa la libido y facilita buenos orgasmos. El aguacate, por su forma testicular, tuvo fama de potenciar la virilidad, y sus vitaminas, minerales y grasa monoinsaturada así lo confirman….

 

¿Y no estaremos olvidándonos de nuestras humildes hortalizas de casa?

  ¡No! Tomar ajo a diario asegura energía vital y potencia sexual. Y la sopa de cebolla se ofrecía en Francia tras la noche de bodas… Y las cerezas oxigenan la sangre tras las actividades más placenteras. Y el romero nos revitaliza…

 

¿Y qué hay de la manzana pecadora?

Es el símbolo de la tentación: ¡es una fruta sanísima! La forma de las frutas siempre ha excitado los sentidos, por analogía: melocotones, peras, albaricoques, higos…

 

¡Aquí hay tomate!

Los actores de cine porno beben zumos de tomate en las pausas de rodaje. Y el zumo de apio también ayuda. Y los licuados de avena vigorizan si ya pasas de los cuarenta años… Quién los pillara… ¿Algún alimento favorece la producción de esperma? Sí: las palomitas de maíz contienen arginina, un aminoácido importante para la producción de esperma.

 

Para tenerlo claro: ¿qué ingrediente culinario es el más afrodisiaco de todos?

Dijo Séneca: “Voy a enseñarte un filtro amatorio sin medicina, sin hierbas, sin sortilegios, si quieres ser amado, ¡ama!” No hay afrodisiaco mejor que la intención: si cocinas con ánimo de seducir, ¡seducirás!

Fuente:lavanguardia.com

 

 

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Entrevista de Louise Hay a Gregg Braden:un gran científico que intenta(como muchos)unir la ciencia a la espiritualidad.O sea,científico y místico.

 


Un OVNI en Embus das Artes,SaoPaulo–Brasil y otros “saliendo” de una supuesta Puerta Estelar(Stargate).

 


Lean bien los entresijos que pudieron influir “en el ataque” de Anders Behring Brevik tanto en Oslo como en la Isla de Otuya.Noruega es(o era)independiente,a partir de ahora veremos.

lunes 25 de julio de 2011

Atentado de Oslo: información que ocultan los medios

Noruega, el primero que iba a reconocer la independencia de Palestina

Noruega prohibe a Arabia Saudí (socio de EEUU e Israel)financiar mezquitas “si no respeta la libertad religiosa”

-Noruega había anunciado que abandonaba la coalición atacante en libiael 1 de agosto

-Noruega controla su petróleo y estableció políticas rigurosas para las compañías

-Noruega da una patada en el culo a Wall Mart y Freeport por razones éticas

Cuba y Noruega firman acuerdos en sectores del petróleo y pesca

– Acuerdo entre Venezuela y Noruega para explotar el petróleo

Rusia y Noruega firman un acuerdo marítimo que zanja 40 años de disputas fronterizas

Bolivia Anuncian acuerdo energético con Noruega

– Israel: Noruega nos provoca.

– Los sindicatos noruegos bloquean barcos israelíes dos semanas

– Centro gubernamental de Oslo, madriguera de espías de EEUU.

– En la isla del tiroteo, el día antes habían concluido la celebración de un Rally Pro-Palestino. Un Boicot a Israel. La explosión tuvo lugar en festivo. ¿Por qué los terroristas elegirían un tiempo con un menor impacto? Se trata de una operación militar, con el fin de influir en la opinión pública.

– El Príncipe Haakon de Noruega, criticado en el Bilderberg 2011, por no ser neutral participación en la apertura anual de petróleo del Mar Caspio y Exposición Internacional de Gasen Bakú.

-La policía de Oslo llevo a cabo ejercicios antiterroristas 48 horas antes del atentado.Idéntico al 11-S, 11-M y 7-J.

-Presunto autor es masón

-“…Marius Helander, uno de los testigos de la horrible tragedia, en el tiroteo en la isla de Utoya participaron 2 personas. “Estoy seguro de que el tiroteo se realizó al mismo tiempo desde dos puntos distintos de la isla” , ha confesado el joven.La Policía noruega desconoce cómo un solo hombre pudo perpetrar semejante matanza…” .

Más testigos confirman la autoría como mínimo 2 tiradores: “…Los testigos describieron al hombre como un segundo de 180 centímetros de alto, de pelo negro con aspecto nórdico, con “una pistola en la mano derecha y un fusil en la espalda.” Uno de los muchachos, Kristiansen, dijo a la VG que “fueron las más largas dos horas de mi vida”.

– La policía noruega , que mostró su incompetencia al tardar 90 minutos en llegar a la isla (40 Km de Oslo), sabía el nombre del asesino antes de arrestarlo , según reportó el blog del telegraph.

-“…El Dr. Colin Poole, jefe de cirugía del Hospital Ringriket en Honefoss al noroeste de Oslo, dijo a la AP que el atacante utiliza balas especiales diseñadas para desintegrarse en el interior del cuerpo y causar daños en el interior máxima. Poole dijo que los cirujanos que tratan 16 heridos de bala no se han recuperado balas completo”.

Balas de fragmentación también hacen imposible la comparación balística; es una manera de ocultar la presencia de numerosas pistolas y varios tiradores

Expertos rusos asocian el atentado a la retirada de Noruega del Libano

– Representantes Noruegos se reunieron con Abbas la semana anterior.

-Socialistas de izquierdas votan una moción para bombardear Israel si actuan contra Hamas en Gaza.

-Negativa a participar en el rescate de Grecia endeudándose a sí misma.

– Vilificación de los movimientos nacionalistas, antisionistas y anti-NWO con la entrada en escena de la Alqaeda blanca.

-Noruega abandona el dólar en el mercado de petróleo.

Anders Mathisen del partido laborista afirma en un periódico que el Holocausto nunca ocurrio y reta a probar lo contrario.

Ruptura en el gobierno mundial [Red Voltaire]

…………………

Ya tenemos los bloques montados y esto nos acerca al escenario previsto!

Carta fechada el 15 de agosto de 1871 del Museo Británico, Francmason Albert Pike , en la que pronostica exactamente como se iniciarían y finalizarían las dos guerras mundiales, dice sobre la tercera:

La tercera y definitiva guerra se desataría a partir de los enfrentamientos entre sionistas políticos y los dirigentes musulmanes. Este conflicto deberá orientarse de forma tal que el Islam y el sionismo político se destruyan mutuamente y además obligará a otras naciones, una vez más divididas sobre este asunto, a entrar en la lucha hasta el punto de agotarse física, mental, moral y económicamente… Liberaremos a los nihilistas y a los ateos, y provocaremos un formidable cataclismo social que en todo su horror mostrará claramente a las naciones el efecto del absoluto ateísmo, origen del comportamiento salvaje y de la más sangrienta confusión. Entonces en todas partes, los ciudadanos, obligados a defenderse contra la minoría mundial de revolucionarios, exterminará a esos destructores de la civilización, y la multitud, desilusionada con el Cristianismo, cuyos espíritus deístas estarán a partir de ese momento sin rumbo y ansiosos por un ideal pero sin saber dónde hacer su adoración, recibirán la verdadera LUZ a través de la manifestación universal de la doctrina pura de “Lucifer”, sacada a la vista pública finalmente. Esta manifestación resultará del movimiento reaccionario general que seguirá a la destrucción del Cristianismo y ateísmo, ambos conquistados y exterminados al mismo tiempo.”

Fuente:despiertateya.blogspot.com

 


Sofonisba Anguissola y Artemisia Gentileschi:dos mujeres pioneras en la pintura.

Sofonisba Anguissola

(1532/35-1625)

Autorretrato, 1556

 

A Sofonisba Anguissola se la considera la primera artista que aun siendo mujer alcanza un éxito considerable como pintora. Anterior cronológicamente a Artemisia Gestileschi, no vivirá de la pintura como ésta, pero si alcanzará gran prestigio con su obra.

La razón de este fenómeno tan poco común en la época tiene mucho que ver con la popularidad que alcanza entre las clases acomodadas las enseñanzas que sobre la educación de los hijos transmite Baltasar de Castiglione en su obra El cortesano, en la que entre otras cosas insistía que a las hijas debe educárselas cultivando la pintura, la música, el canto y la poesía. Y fue esta la razón de que Amílcare Anguissola, el padre de Sofonisba inculcara estos hábitos entre sus seis hijas, aunque de entre todas ellas, sería Sofonisba la que más talento había de demostrar.

De hecho sus magníficas aptitudes para el dibujo y la pintura sorprendieron a su propio padre que se animó incluso a enviar algunos de esos dibujos al mismísimo Miguel Ángel para conocer su parecer. No quedaría sólo en eso la relación, porque Sofonisba llegó a entablar contacto con Miguel Ángel en Roma, quien llegó a ayudar y aconsejar a la artista. También Giogio Vasari, alabará su arte y el propio Caravaggio se inspirará en una obra de ella, Niño pinzado por un cangrejo, para la suya, Niño mordido por un lagarto.

La mayoría de sus primeras obras son retratos, bien autorretratos, de los que hizo numerosos, o retratos de su propia familia, pero pronto su valía trascendió el marco familiar y empezó a frecuentar ámbitos más exigentes siendo reclamada por algunas cortes europeas. Es en este contexto en el que se produce la invitación a la Corte española de Felipe II, donde acudiría en 1559 como pintora de corte y dama de la reina, en aquel momento Isabel de Valois, tercera mujer de Felipe II. Allí desarrollará la época más brillante de su carrera con retratos de Juana, hermana del rey, de su hijo Carlos, del propio rey, de Isabel de Valois y más tarde de Ana de Austria, la cuarta esposa de Felipe II.

Sofonisba fue ante todo una buena retratista, capaz de modelar con acierto las figuras y sobre todo de dotarlas de una lograda profundidad psicológica, una interrelación gestual que en muchas ocasiones traslada al propio espectador, con el que se comunica en muchas de sus obras directamente a través de la mirada intensa de sus retratados. Su tratamiento del color recibe ya cierta influencia manierista, aunque sin excesos cromáticos. También en el detallismo minucioso de vestimentas y complementos se acerca a la técnica minuciosa de algunos manieristas españoles. En otros géneros no debía de sentirse tan cómoda, como lo demuestra no sólo el escaso número de obras con otra temática que no fuera el retrato, sino también algunas carencias en ellas, sobre todo en la estructura compositiva.

Cuando murió Isabel de Valois con tan sólo 22 años, Sofonisba no abandonó la corte española, como hubiera sido lo lógico, sino que Felipe II la animó a quedarse cuatro años más, ayudando en la crianza de sus dos hijas. A cambio, el rey la ayudó a asegurarse un porvenir, promoviendo su boda con un noble siciliano, Fabricio di Moncada, y sufragando la fastuosa celebración con la que los reyes le agradecieron los servicios prestados. Desgraciadamente su matrimonio sólo duró cuatro años, los que tardó en enviudar, pero de vuelta a Cremona, en plena travesía se enamoró del capitán del barco, Orazio Lomellini, que al poco tiempo se convertiría en su segundo marido.

Sofonisba llegó a vivir noventa años, una larga vida que se desarrollaría ya definitivamente en Italia después de abandonar la corte española. Viviría desde entonces alternativamente entre Palermo y Génova, si bien en 1615 se trasladó a Sicilia donde está documentada una visita que le hizo el entonces jovencísimo aprendiz de Rubens, Van Dick, que le hizo dos retratos y anotó en su diario la profunda impresión que le causó la artista. Hasta 1620 siguió trabajando, pues de esta fecha es su último autorretrato, quizás su última obra.

Fuente:artecreha.com

Artemisia Gentileschi.

Artemisia Lomi Gentileschi (Roma, 8 de julio de 1593Nápoles, hacia 1654) fue una pintora caravaggista italiana, hija del pintor toscano Orazio Gentileschi (15631639).

Vivió en la primera mitad del siglo XVII. Tomó de su padre, Orazio, el límpido rigor del dibujo, injertándole una fuerte acentuación dramática, tomada de las obras de Caravaggio, cargada de efectos teatrales; elemento estilístico que contribuyó a la difusión del caravaggismo en Nápoles, ciudad a la que se trasladó en 1630.

 

Biografía.

Artemisia Gentileschi nació en Roma, el 8 de julio de 1593. Fue la hija mayor del pintor Orazio Gentileschi, uno de los grandes representantes de la escuela romana de Caravaggio. Artemisia fue introducida a la pintura en el taller de su padre, mostrando más talento que sus hermanos, que trabajaron junto a ella. Aprendió dibujo, cómo empastar los colores y dar brillantez a los cuadros. Dado que el estilo de su padre, en aquellos tiempos, se remitía explícitamente al arte de Caravaggio (con el que Orazio tenía relaciones de familiaridad), también los primeros pasos artísticos de Artemisia se situaron, por motivos diversos, en el despertar del gran pintor lombardo. Pero su aproximación a los temas era diferente de la de su padre.

Susana y los viejos, Colección Schönborn, Pommersfelden.

Firmó a los diecisiete años su primera obra, (aunque muchos sospecharan entonces que fue ayudada por su padre): Susana y los viejos, 1610, colección Schönborn en Pommersfelden). El cuadro muestra cómo Artemisia había asimilado el realismo de Caravaggio sin permanecer indiferente al lenguaje de la escuela de Bolonia, que tuvo a Annibale Carracci entre sus mejores artistas. A los diecinueve años, dado que el acceso a la enseñanza de las academias profesionales de Bellas Artes era exclusivamente masculino, y por tanto le estaba prohibido, su padre le dio un preceptor privado, Agostino Tassi. Con él estaba trabajando en aquel tiempo Orazio, en la decoración de las bóvedas de Casino della Rose dentro del Palacio Pallavicini Rospigliosi en Roma.

Un escándalo marcó su vida. Tassi la violó en 1612. Al principio, él prometió salvar su reputación casándose con ella, pero más tarde renegó de su promesa, pues ya estaba casado, y Orazio lo denunció ante el tribunal papal. La instrucción, que duró siete meses, permitió descubrir que Tassi había planeado asesinar a su esposa, cometió incesto con su cuñada y había querido robar ciertas pinturas de Orazio Gentileschi. Del proceso que siguió se conserva documentación exhaustiva, que impresiona por la crudeza del relato de Artemisia y por los métodos inquisitoriales del tribunal. Artemisia fue sometida a un humillante examen ginecológico y torturada usando un instrumento que apretaba progresivamente cuerdas en torno a los dedos — una tortura particularmente cruel para un pintor. De esta manera se pretendía verificar la veracidad de sus acusaciones, pues se creía que si una persona dice lo mismo bajo tortura que sin ella, la historia debe ser cierta. Tassi fue condenado a un año de prisión y al exilio de los Estados Pontificios. Las actas del proceso han influido grandemente en la lectura en clave feminista, dada en la segunda mitad del siglo XX, a la figura de Artemisia Gentileschi.

Este es el testimonio de Artemisia en el proceso, según los documentos de la época:

Cerró la habitación con llave y una vez cerrada me lanzó sobre un lado de la cama dándome con una mano en el pecho, me metió una rodilla entre los muslos para que no pudiera cerrarlos, y alzándome las ropas, que le costó mucho hacerlo, me metió una mano con un pañuelo en la garganta y boca para que no pudiera gritar y habiendo hecho esto metió las dos rodillas entre mis piernas y apuntando con su miembro a mi naturaleza comenzó a empujar y lo metió dentro. Y le arañé la cara y le tiré de los pelos y antes de que pusiera dentro de mi el miembro, se lo agarré y le arranqué un trozo de carne

Eva Menzio (editora), Artemisia Gentileschi, Lettere precedute da Atti di un processo di stupro, Milán, 2004

La pintura Giuditta che decapita Oloferne (Judith decapitando a Holofernes) (16121613), que se exhibe en la Galleria degli Uffizi de Florencia impresiona por la violencia de la escena que representa, y ha sido interpretada en clave psicológica y psicoanalítica, como un deseo de venganza respecto a la violencia que ella había sufrido.

Un mes después del juicio, Artemisia se casó, en un matrimonio arreglado por su padre, con un pintor florentino, Pierantonio Stiattesi (o Pietro Antonio Stiattesi), un modesto artista, lo que sirvió para restituirle a Artemisia, violada, engañada y denigrada por Tassi, un estatus de suficiente honorabilidad.

De estos comienzos romanos data también la Madonna col Bambino (Virgen con niño) de la Galería Spada.

Periodo florentino (16141620)

Judith decapitando a Holofernes (1614-20) Óleo sobre lienzo 199 x 162 cm Galleria degli Uffizi, Florencia.

Artemisia y su marido se instalaron en Florencia en 1614. Allí, Artemisia disfrutó de un gran éxito. Fue la primera mujer en ingresar en la Accademia del Disegno (Academia del Dibujo) de Florencia.

Artemisia se convirtió en una exitosa pintora de corte. Mantuvo buenas relaciones con los artistas más respetados de su tiempo, como Cristofano Allori, y fue capaz de conquistar los favores y la protección de personas influyentes, comenzando por el gran duque Cosme II de Médici y especialmente de la gran duquesa Cristina. Tuvo una buena relación con Galileo Galilei con quien se mantuvo en contacto epistolar durante largo tiempo, mucho más allá de su periodo florentino.

Entre sus admiradores tiene un puesto de especial relieve Buonarroti el joven (sobrino del gran Miguel Ángel): empeñado en construir la Casa Buonarroti para celebrar la memoria de su ilustre antecesor, encargó a Artemisia la ejecución de una tela destinada a decorar el techo de la galería de pinturas.

La pintura en cuestión representa una Allegoria dell’Inclinazione (esto es, una alegoría del «talento natural»), representada en forma de una joven mujer desnuda que sostiene una brújula. Se cree que la atractiva figura femenina tenía los rasgos de la propia Artemisia, que -como sostenían las informaciones mundanas de la época- fue una mujer de extraordinario atractivo.

En efecto, se suele entender que en las telas de Artemisia, los rasgos faciales de las hermosas y enérgicas heroínas que allí aparecen tienen un parecido al rostro que aparece en sus retratos o autorretratos: a menudo el que le encargaba cuadros debía desear tener una imagen que le recordase visualmente a la autora, cuya fama iba creciendo. Su éxito y la fascinación que emanaba de su figura, alimentaron, a lo largo de toda su existencia, rumores sobre su vida privada.

Se ha considerado que durante este periodo florentino Artemisia también pintó La Conversione della Maddalena (La conversión de la Magdalena), y Giuditta con la sua ancella (Judith y su doncella), hoy en el Palacio Pitti. Artemisia pintó una segunda versión de Giuditta che decapita Oloferne (Judith decapitando a Holofernes), mayor que la versión de Nápoles y hoy en los Uffizi. Esta Judith y Holofernes o Degollación de Holofernes está considerada su obra maestra. Ella pone sus mismos rasgos en el rostro de Judith, atribuyendo a Holofernes los de Tassi. La oscuridad y gráfica violencia de esta obra, la frialdad con que Judith decapita a Holofernes, se atribuyen a su violación y al proceso humillante que le siguió.

Mientras estuvo en Florencia, Artemisia y Pierantonio tuvieron cuatro hijos y una hija. Pero sólo la hija, Prudenzia, llegó a la edad adulta. A pesar de su éxito, debido a un exceso de gastos suyos y de su marido, el periodo florentino estuvo lleno de problemas con los acreedores y con su esposo, por lo que es razonable suponer que fue esto lo que motivó su regreso a Roma que realizó de manera definitiva en el año 1621. Con ella llevó a su hija Prudenzia, con la que más tarde se trasladó a Nápoles. Después de la muerte de su madre, la vida de esta hija cae en la oscuridad y resulta desconocida.

De nuevo en Roma y más tarde Venecia (16211630)

Ese mismo año en que, separada de su marido, Artemisia llegó a Roma, su padre Orazio dejó la ciudad y se trasladó a Génova. Algunos creen que Artemisia siguió a su padre a la capital ligur (incluso para explicar la persistencia de una afinidad de estilos que, aún hoy, dificultan determinar quién de los dos pintó ciertas obras); pero no hay suficientes pruebas al respecto. La mayor parte de las evidencias apoyan la idea de que Artemisia permaneció en Roma, como mujer independiente, intentando encontrar una casa y criar a sus hijas. Además de Prudenzia, tuvo otra hija natural, probablemente nacida en 1627. Artemisia intentó, prácticamente sin éxito, enseñarles el arte de la pintura.

El estilo de Caravaggio, aunque el maestro llevaba muerto más de una década, era aún muy influyente en la Roma de la época y convirtió a muchos pintores en seguidores suyos (llamados Caravaggisti) como el padre de Artemisia, Carlo Saraceni (quien regresó a Venecia en 1620), Bartolomeo Manfredi, y Simon Vouet. Sin embargo, los estilos pictóricos en Roma a principios del siglo XVII eran diversos, coexistiendo la tendencia más clásica, seguida por los discípulos boloñeses de Annibale Carracci y las aventuras barrocas de Pietro da Cortona.

Artemisia demostró tener la sensibilidad justa para tomar las novedades artísticas y la determinación precisa para vivir como protagonista esta extraordinaria estación artística de Roma, meta obligada de artistas de toda Europa. Artemisia entró a formar parte de la Accademia dei Desiosi. Con motivo de ello fue celebrada con un retrato grabado que, en la dedicatoria, la califica como «Pincturare miraculum invidendum facilius quam imitandum». De esta misma época data su amistad con Cassiano dal Pozzo, un humanista, coleccionista y gran mentor de las bellas artes.

Sin embargo, a pesar de su reputación artística, su fuerte personalidad y la red de buenas relaciones, Roma no fue tan lucrativa como ella esperaba. Se apreciaba su arte en los retratos y su habilidad para poner en escena a las heroínas bíblicas, pero a ella le estaban vedados los ricos encargos de ciclos de frescos y de los grandes retablos. La ausencia de suficiente documentación hace difícil seguir los movimientos de Artemisia en este periodo. Es seguro que entre 1627 y 1630 se trasladó a Venecia, quizá en busca de encargos más lucrativos: lo documentan los homenajes que recibió de los letrados de la ciudad de la laguna que alabaron la calidad de la pintora.

Aunque a veces es difícil datar sus pinturas, y es a menudo motivo de divergencia entre los críticos de arte, es verosímil asignarle estos años el Ritratto di gonfaloniere (Retrato de un gonfaloniere), hoy en Bolonia (único ejemplo hasta ahora de su célebre habilidad como retratista); la Giuditta con la sua ancella, (Judith y su doncella) hoy en el Detroit Institute of Arts (que refleja el dominio de la pintora sobre los efectos de claroscuro de la luz de la vela, por las cuales fueron famosos en Roma pintores como Gerrit van Honthorst, Trophime Bigot, y muchos otros); su Venere Dormiente (Venus durmiente), y su Ester ed Assuero (Esther y Asuero) ubicado en el Metropolitan Museum of Art en Nueva York, que testimonia su asimilación de las lecciones del luminismo veneciano.

Nápoles y el periodo inglés (16301653)

En 1630 Artemisia se trasladó a Nápoles, una ciudad rica con talleres y amantes de arte, en busca de nuevas y más lucrativas oportunidades laborales. Muchos otros artistas, incluyendo a Caravaggio, Annibale Carracci o Simon Vouet habían estado en Nápoles durante algún momento de sus vidas, y en aquella época, José de Ribera, Massimo Stanzione, y Domenichino estaban trabajando allí y más tarde, Giovanni Lanfranco y muchos otros acudirían a esta ciudad.

El debut napolitano de Artemisia está representado por la Anunciación en el Museo de Capodimonte. Permaneció en Nápoles durante el resto de su carrera con la excepción de su breve estancia en Londres y algún otro viaje. Nápoles (para constante lamento por Roma) representó para Artemisia una especie de segunda patria donde ocuparse de su familia (ambas hijas se casaron en Nápoles, con dote propia). Recibió muchas pruebas de la gran estima en la que se la tenía, y estuvo en buenas relaciones con el virrey, el Duque de Alcalá. Tuvo relaciones de intercambio con sus pares y con los mayores artistas que allí estaban, comenzando por Massimo Stanzione, con quien, según el escritor del siglo XVIII Bernardo de’ Dominici, comenzó una colaboración artística basada en una auténtica amistad y parecidos artísticos.

En Nápoles, por primera vez, Artemisia empezó a trabajar en cuadros para una catedral, dedicados a San Gennaro nell’anfiteatro di Pozzuoli (San Jenaro en el anfiteatro de Pozzuoli) en Pozzuoli. Durante su primer periodo napolitano pintó Nascita di San Giovanni Battista (Nacimiento de san Juan Bautista) que se conserva en el Museo del Prado de Madrid, y Corisca e il satiro (Corisca y el sátiro), en una colección privada. En estas pinturas Artemisia demuestra nuevamente su capacidad de renovarse según los gustos artísticos de su tiempo y de manejar diferentes temas, en lugar de las usuales Judith, Susana, Betsabé, y Magdalena penitente, por las que ya era conocida.

En 1638 Artemisia se reunió con su padre en Londres en la corte de Carlos I de Inglaterra, donde Orazio se convirtió en pintor cortesano y recibió el importante encargo de decorar un techo (alegoría del Trionfo della pace e delle Arti [Triunfo de la paz y de las artes]) en la Casa delle Delizie de la reina Enriqueta María de Francia en Greenwich. El padre y la hija estaban una vez más trabajando juntos, aunque ayudar a su padre probablemente no fuera su única razón para viajar a Londres: Carlos I la había llamado a su corte, y no era posible rechazarlo. Este rey era un coleccionista fanático, dispuesto a arruinar las finanzas públicas para satisfacer sus deseos artísticos. La fama de Artemisia probablemente lo intrigase, y no es una coincidencia que su colección incluyera un cuadro muy sugerente, el Autoritratto in veste di Pittura (“Autorretrato como la Alegoría de la Pintura”).

Orazio murió repentinamente, cuidado por su hija, en 1639. Artemisia tuvo que cumplir sus propios encargos después de la muerte de su padre, aunque no hay obras que puedan asignarse con certeza a este periodo. Se sabe que Artemisia ya había abandonado Inglaterra en 1642, cuando se producían las primeras escaramuzas de la guerra civil.

Segundo periodo napolitano

No se sabe mucho de sus movimientos posteriores. Se cree que partió definitivamente a Nápoles en 1642 donde pasó el resto de su vida. Los historiadores saben que en 1649 estaba de nuevo en la ciudad partenopea, en correspondencia con Don Antonio Ruffo de Sicilia quien se convirtió en su mentor y buen comitente durante su segundo periodo napolitano. La última carta conocida a su mentor data de 1650 y deja claro que ella estaba aún plenamente en activo.

Se pensó que Artemisia había muerto en 1653. Evidencias recientes, sin embargo, muestran que aún aceptaba encargos en 1654, aunque dependía cada vez más de su asistente, Onofrio Palumbo. Por lo tanto, puede especularse con su muerte en la devastadora plaga que asoló Nápoles en 1656 y virtualmente barrió a toda una generación de artistas napolitanos.

Algunas obras de este periodo son Susanna e i vecchioni (Susana y los viejos) hoy en Brno y Madonna e Bambino con rosario (Virgen con el Niño y un rosario) hoy en El Escorial.

Su tumba se encontraba en la iglesia de San Juan de los Florentinos de Nápoles, que fue destruida tras la Segunda Guerra Mundial. En su lápida estaba escrito HEIC ARTEMISIA.

Después de su muerte fue prácticamente olvidada.

Estilo y valoración

Judith y su doncella (1618-1619), Palazzo Pitti, Florencia.

Artemisia Gentileschi está considerada como una de los primeros pintores barrocos, de los más completos de su generación, imponiéndose por su arte en una época en la que las mujeres pintoras no eran aceptadas fácilmente. Pintó cuadros históricos y religiosos en un momento en que estos temas heroicos eran considerados inadecuados para el espíritu femenino.

Retocó y modificó obras de su padre, dotándolas de un realismo que antes no tenían. Les añadió una atmósfera dramática, acentuando el claroscuro a la manera de Caravaggio, contribuyendo así a que este estilo madurase. Representa así un caravaggismo violento.

Un ensayo de 1916 de Roberto Longhi, maestro de la crítica italiana, titulado Gentileschi padre e figlia (Gentileschi padre e hija) tuvo el mérito de llamar la atención de la crítica sobre la estatura artística de Artemisia Gentileschi en el ámbito de los caravaggistas en la primera mitad del siglo XVII. Longhi emite, al tratar sobre Artemisia, en un tono involuntariamente misógino, el siguiente juicio: «la única mujer en Italia que alguna vez supo algo sobre pintura, colorido, empaste y otros fundamentos».

En el análisis efectuado del cuadro más célebre de Artemisia, la Judith decapitando a Holofernes de los Uffizi, Longhi escribió:

¿Quién pensaría de hecho que sobre un lienzo estudiado de candor y sombras valiosas dignas de un Vermeer una generosidad natural, pudiera acontecer una matanza tan brutal y sangrienta? […] pero – es lógico decirlo – ¡esta es una mujer terrible! ¿Una mujer pintó todo esto?

Y añadía:

… No hay nada sádico aquí, en lugar de ello lo que más impresiona es la impasibilidad de la pintora, que fue incluso capaz de darse cuenta de cómo la sangre, al chorrear violentamente, ¡podía decorar con dos líneas de gotas al vuelo la zona central! ¡Increíble, os digo! Y también por favor ¡den a la Sra. Schiattesi – el nombre de casada de Artemisia – la oportunidad de elegir el puño de la espada! Al final, ¿no creen que el único propósito de Judith es apartarse todo lo posible para evitar que la sangre pueda manchar su novísimo vestido de seda amarilla? Pensemos, de todas formas, que ese es un vestido de Casa Gentileschi, el guardarropa más refinado de la Europa del siglo XVII, después de Van Dyck.

Roberto Longhi, Gentileschi padre e figlia, 1916

El análisis de la pintura subraya, de modo ejemplar, lo que significaba saber «de pintura, y de color y de empaste»: se evocan los colores llamativos de la paleta de Artemisia, la luminiscencia de seda de los vestidos (con ese amarillo inconfundible de la autora), la atención perfeccionista por la realidad de las joyas y de las armas.

El interés por la figura artística de Artemisia, que permaneció inexplicablemente débil a pesar de la lectura dada por Longhi, recibió un fuerte impulso gracias a los estudios en clave feminista, que eficazmente subrayaron su sufrimiento por la violación y maltrato posterior, lo que determinaría la fuerza expresiva que asume su lenguaje pictórico cuando el sujeto representado eran sus heroínas bíblicas, que siempre parecen querer manifestar su rebelión contra las condiciones a las que les condenaba su sexo.

En un artículo del catálogo de la exposición «Orazio e Artemisia Gentileschi» que tuvo lugar en Roma en 2001 (y después en Nueva York), Judith W. Mann se distancia, mostrando los límites de una lectura en clave estrechamente feminista:

Semejante opinión presupone que todo el potencial creativo de Artemisia es sólo sobre mujeres fuertes y capaces, hasta el punto de que parece imposible imaginarla ocupada en imágenes religiosas convencionales, como una Virgen María con Niño o una virgen que acoge sumisamente la Anunciación; y además se dice que la artista rehusó modificar su interpretación personal de esos temas para acomodarse a las preferencias de un cliente compuesto básicamente por hombres. El estereotipo causa un doble efecto restrictivo: induce a los críticos a dudar la atribución de aquellas pinturas que no se corresponden con el modelo preestablecido, y a atribuir un valor inferior a aquellos cuadros que no cumplen con el cliché.

La crítica más reciente, comenzando por la difícil reconstrucción del catálogo total de los Gentileschi, intenta dar una lectura menos restrictiva de la carrera de Artemisia, colocándola más apropiadamente en el contexto de los diferentes ambientes artísticos en los que la pintora participó activamente. Una lectura semejante restablece a Artemisia como una artista que luchó con determinación, usando el arma de su personalidad y de sus cualidades artísticas, contra los prejuicios expresados en contra de las mujeres pintoras; consiguió ingresar productivamente en el círculo de los pintores más respetados de su época, abarcando una gama de géneros pictóricos que fue probablemente más amplia y variada que cuanto digan hoy las telas atribuidas a Artemisia.

Artemisia y las pintoras contemporáneas

Para una mujer a comienzos del siglo XVII, ser pintora como Artemisia era una elección inusual y difícil, pero no excepcional. Antes de Artemisia, a finales del XVI y comienzos del XVII, otras pintoras tuvieron carreras exitosas. Pueden mencionarse:

Otras pintoras comenzaron su carrera mientras Artemisia aún vivía. Juzgadas por sus méritos artísticos, puede cuestionarse la afirmación de Longhi de que Artemisia fue “la única mujer en Italia que supo algo sobre pintura”. No cabe duda, sin embargo, de que Artemisia sigue siendo una de las más consideradas artistas femeninas, y finalmente ha ocupado su lugar entre los grandes artistas del periodo barroco.

Artemisia y la cultura popular

Hay todavía, sea en el arte de Artemisia, sea en su biografía, algo que la hace especialmente fascinante y que despierta el interés de algunos escritores y, no por casualidad, de algunas escritoras.

La primera escritora que decidió componer una novela en torno a la figura de Artemisia, fue Anna Banti, quien estuvo casada con Roberto Longhi. Su primer borrador del texto, en forma manuscrita, data de 1944, pero se perdió en el trascurso de las vicisitudes bélicas. La decisión de volver al libro, titulado Artemisia, escribiéndolo de forma diferente, la tomó tres años más tarde. Anna Banti se pone en su nueva novela a dialogar con la pintora, en forma de un “diario abierto”, en el que busca – en paralelo al relato de la adolescencia y madurez de Artemisia – explicarse a sí misma la fascinación que siente, y la necesidad que debió sentir de dialogar, de mujer a mujer, sobre las límpidas, aunque apasionadas, consideraciones artísticas de las que tantas veces habría hablado con Roberto Longhi. En España, Artemisia se publicó por Ediciones Cátedra, S.A. en 1992; la ha reeditado en 2008 la editorial Alfabia, con un ensayo introductorio de Susan Sontag.

Más de cincuenta años más tarde, en 1999, la escritora francesa Alexandra Lapierre afronta, de nuevo con una novela, la fascinación enigmática de la vida de Artemisia, y lo hace a partir de un estudio extremadamente escrupuloso de la biografía y del contexto histórico que le sirve de fondo. El análisis psicológico que se lee entre líneas, para comprender la relación entre Artemisia mujer y Artemisia pintora, acaba por utilizar, como un Leitmotiv, la relación, hecha de un afecto que encuentra difícil expresarse y de una rivalidad profesional latente – entre padre e hija. Esta novela, con el título de Artemisia, ha sido editada en 1999 por Editorial Planeta, S.A. y por Planeta DeAgostini en 2000 y 2006.

Artemisia, y más específicamente su cuadro Judith decapitando a Holofernes, son mencionados en la obra de Wendy Wasserstein del año 1988 The Heidi Chronicles, donde el personaje principal, Heidi imparte clases sobre ellas como parte de su curso de historia del arte sobre pintoras. Al final de la obra, Heidi adopta a una hija a la que llama Judy, que es al menos una referencia parcial a la pintura.

En 1989 publicó Maria Àngels Anglada su novela Artemisia, sobre esta misma figura; posteriormente se ha reeditado en 1995 y en 1999.

La dramaturga canadiense Sally Clark escribió una obra de teatro basada en los acontecimientos que llevaron al rapto, así como los posteriores. “Life Without Instruction” fue un encargo del Teatro Nightwood en 1988. Se trabajó en 1990, bajo la dirección de Kate Lushington y Jackie Maxwell. “Life Without Instruction” se estrenó en el Teatro Plus de Toronto el 2 de agosto de 1991.

Cabe mencionar, finalmente, entre las obras publicadas en España, Artemisia Gentileschi, de Rauda Jamis, Circe Ediciones, S.A., 1998.

De más reciente aparición es la novela de Susan Vreeland titulada The Passion of Artemisa (en España, La pasión de Artemisia, 2006), que vuelve a hacer una lectura feminista de su obra, y parece que quiere aprovecharse del reciente éxito de las novelas históricas sobre una obra de arte y su autor.

Discutibles, por las mismas razones, son los resultados alcanzados por la cineasta francesa Agnès Merlet, con su película Artemisia (1997), protagonizada por Valentina Cervi. Se basa sólo en parte en la vida de la pintora, pero se representa de forma inapropiada la relación entre Tassi y Artemisia como un apasionado romance en lugar de una violación.

Dentro del género documental, ya se había rodado en 1992, Artemisia, producción canadiense para televisión.

Principales obras

Autorretrato como mártir, Colección privada.

  • Autoritratto come martire, Colección privada, h. 1615
  • Allegoria dell’Inclinazione, Casa Buonarroti, Florencia, 1615-16
  • Maddalena penitente, Colección privada (ya Marc A. Seidner Collection, Los Ángeles), h. 1615-16
  • La Conversione della Maddalena, Galleria Palatina, Palacio Pitti, Florencia, 1615-16
  • Autoritratto come suonatrice di liuto, Curtis Galleries, Minneapolis, h. 1615-17
  • Giuditta con la sua ancella, Galleria Palatina, Palacio Pitti, Florencia, 161819
  • Santa Caterina di Alessandria, Galleria degli Uffizi, Florencia, h. 1618-19
  • Giaele e Sisara, Museo de Bellas Artes, Budapest, 1620
  • Cleopatra, Collezione della Fondazione Cavallini-Sgarbi, Ferrara, h. 1620
  • Allegoria della Pittura Museo de Tessé, Le Mans, 1620-30
  • Giuditta che decapita Oloferne, Uffizi, Florencia, h. 1620
  • Santa Cecilia, Galería Spada, Roma, h. 1620
  • Cleopatra, Col. Amedeo Morandorri, Milán, 162122 (considerado por algunos estudiosos como obra de su padre)

Nacimiento de san Juan Bautista, Museo del Prado, Madrid.

  • Nacimiento de San Juan Bautista, Museo del Prado, Madrid, h. 163335
  • Cleopatra, Col. privada, Roma, h. 1633-35
  • Lot e le sue figlie, Museo de Arte, Toledo, Ohio, h. 1635–38
  • Davide e Betsabea , Neues Palais, Potsdam, h. 1635
  • Ratto di Lucrezia, Neues Palais, Potsdam
  • Davide e Betsabea , Palacio Pitti, Depósitos, Florencia, h. 1635
  • San Gennaro nell’anfiteatro di Pozzuoli, Museo Capodimonte de Nápoles, 163637
  • Santi Proclo e Nicea, Museo Capodimonte de Nápoles, 1636-37
  • Adorazione dei Magi, Museo Nacional de San Martino, Nápoles, 1636-37
  • Davide e Betsabea, Museo de Arte, Columbus, Ohio, h. 1636-38
  • Autoritratto come allegoria della Pittura, Royal Collection de Su Majestad la Reina Isabel II, Castillo de Windsor, 163839
  • Venere che abbraccia Cupido, Col. privada, 164050
  • Un’allegoria della Pace e delle Arti sotto la Corona inglese, Malborough House, Londres, 1
  • Fuente:wikipedia.org

También murió Blanca Rosa Henrietta Stella Welter Vorhauer,o sea,Linda Christian,la primera chica Bond y madre de Taryn y Romina Power.

Muere Linda Christian, primera chica Bond.

 

En esta fotografía de archivo de 1948 se ve a la actriz Linda Christian con Johnny Weissmuller en la cinta "Tarzan And The Mermaids". Christian, estrella hollywoodense que se convirtió en la primera chica Bond murió a los 87 años el viernes 22 de julio de 2011.
En esta fotografía de archivo de 1948 se ve a la actriz Linda Christian con Johnny Weissmuller en la cinta “Tarzan And The Mermaids”. Christian, estrella hollywoodense que se convirtió en la primera chica Bond murió a los 87 años el viernes 22 de julio de 2011.

The Associated Press

PALM DESERT, California, EE.UU. — Linda Christian, estrella de Hollywood en la década de 1940, esposa del rompecorazones Tyrone Power y que se convirtió en la primera chica Bond, murió a los 87 años de edad.

Su hija, Romina Power, dijo que Christian, que nació en México, murió el viernes en Palm Desert luego de luchar contra el cáncer de colon.

Christian decidió convertirse en actriz en Los Angeles y después firmó un contrato con MGM. Hizo su debut en la pantalla grande junto a Danny Kaye en la comedia musical “Up In Arms”, en 1944.

En 1948, un año después de aparecer en la cinta “Tarzan and the Mermaids”, Christian se casó con Power, uno de los más populares actores de Hollywood. La pareja se divorció en 1956.

Las famosas curvas de Christian provocó que la revista Life la llamara la “bomba anatómica”.

Christian interpretó uno de los intereses amoroso de James Bond en 1954, en la adaptación a televisión de la novela “Casino Royale”.

Le sobreviven Romina Power, su hermana Taryn Power y ocho nietos.

Fuente:elnuevoherald.com

 

 


Dicen que venimos del mono:lean algunas diferencias que te harán pensar.Y luego busca a Lloyd Pye(venimos de las Estrellas).

A nosotros nos enseñaron que, por cada determinación científica, los humanos son primates muy estrechamente relacionados con todos los otros primates, sobre todo los chimpancés y los gorilas. Esto esta tan inculcado en nuestras psiques que parece fútil incluso examinarlo, mucho menos desafiarlo. Pero lo haremos.
HUESOS. Los huesos humanos son mucho más livianos que comparables huesos de primates. Acerca de ese asunto, nuestros huesos son mucho más livianos que los huesos de cada antepasado “pre-humano” desde un principio hasta el Neardental. Los huesos antepasados parecen como los huesos de los primates; los huesos humanos modernos no.
MÚSCULOS. Los músculos humanos son significativamente más débiles que músculos comparables en los primates. Libra por libra, somos cinco a diez veces más débiles que cualquier otro primate. Cualquier mono utilizado como mascota es evidencia de eso. De algún modo, volvernos “mejores” nos hizo muchísimo más débiles.
PIEL. La piel humana no está bien adaptada a la cantidad de luz solar que golpea la Tierra. Puede modificarse para sobrevivir a la extendida exposición incrementando grandemente la melanina  (su pigmento oscuro) en su superficie, lo cual sólo la raza negra ha logrado. Todos los otros deben cubrirse con ropa o andar por la sombra, o ambos, o enfermar de envenenamiento por radiación.
PELO DEL CUERPO. Los primates no necesitan preocuparse sobre la exposición directa a la luz del sol porque están cubiertos de la cabeza a los pies con un distintivo patrón de vello corporal largo. Porque son cuadrúpedos ( se mueven con sus cuatro extremidades), el pelo más espeso está en sus espaldas, mientras que el más delgado esta en el pecho y en el abdomen. Los humanos han perdido todo el pelaje que rodea el cuerpo y hemos cambiado nuestra área de espesor completamente al pecho y el abdomen mientras llevamos la parte delgada en nuestra espalda.
GRASA. Los humanos tienen diez veces más células grasas en la capa inferior de su piel como los primates. Si un primate está herido por una cuchillada o un rasguño en la piel, cuando el sangramiento se detiene, los bordes de la herida caen planos cerca del otro y pueden cerrar la herida rápidamente por un proceso llamado “contractura”. En los humanos, la capa grasosa es tan espesa que empuja a través de las heridas y hace a la contractura difícil si no imposible. También, para intentar explicar esta rareza, la grasa bajo la piel humana no compensa el pelo del cuerpo que hemos perdido. Sólo en el agua  su capacidad aislante es útil; en el aire, es mínimamente la mejor.
PELO DE LA CABEZA. Todos los primates tienen pelo en la cabeza que crece a una cierta longitud y entonces se detiene. El pelo de cabeza humano crece a tales longitudes que podría ser peligroso en una situación primitiva. Así, nos han obligado a que cortemos nuestro pelo de la cabeza desde que nosotros nos volvimos una especie, lo cual puede responder por algunas de las hojuelas afiladas de piedras que son consideradas las “herramientas” homínidas primitivas.
UÑAS DE LA MANO Y DEL PIE. Todos los primates tienen uñas en las manos y en los pies que crecen a una cierta longitud y entonces se detienen, nunca necesitan cortarlas. Las uñas de la mano y  del pie de los humanos siempre han necesitado ser cortadas. Nuevamente, quizás esas “herramientas” de piedra no eran sólo para matar animales.
CRÁNEO. El cráneo humano no es nada parecido al cráneo de los primates. Hay escasamente algunas justas comparaciones morfológicas que hacer, aparte de las partes generales que son lo mismo. Su diseño y ensamble son tan diferentes que hace INÚTILES los esfuerzos de comparación.
CEREBROS. La comparación aquí es aun más radical porque los cerebros humanos son  inmensamente diferentes. (Decir “mejorado” o “superior” es injusto y no pertinente, porque los cerebros de los primates funcionan perfectamente bien para lo qué los primates tienen que hacer para vivir y reproducirse.)
LOCOMOCIÓN. La comparación aquí es fácilmente tan amplia como la comparación de los cerebros y los cráneos. Los humanos son bípedos; los primates son cuadrúpedos. Eso dice más que suficiente.
HABLA. Las gargantas humanas están completamente rediseñadas en comparación a las gargantas de los primates. La laringe ha caído a un posición mucho más baja, así los humanos pueden romper los típicos sonidos de los primates en diminutos pedazos de sonido (por modulación) que se han transformado en el habla humana.
SEXO. Las primates hembras tienen ciclos de celo y están sexualmente receptivas solo en momentos especiales. Las hembras humanas no tienen ningún ciclo de celo en el sentido de los primates. Son incesantemente receptivas al sexo. (¡A menos que, claro, tengan el proverbial dolor de cabeza!)
CROMOSOMAS. Ésta es la diferencia más inexplicable de todas. Los primates tienen 48 cromosomas. ¡Los humanos son considerados inmensamente superiores a ellos en una amplia serie de áreas, sin embargo de algún modo nosotros tenemos sólo 46 cromosomas! Esto pide a ruegos la pregunta de cómo nosotros podríamos haber perdido dos cromosomas completos–lo cual representa mucho ADN–en primer lugar, y en el proceso volvernos muchísimo mejores. Nada sobre eso tiene sentido lógico.
TRASTORNOS GENÉTICOS. Como con todos los animales salvajes (las plantas también), los primates tienen relativamente pocos trastornos genéticos extendidos a lo largo de sus reservas de gen. El albinismo es un trastorno que es común a muchos grupos animales así como también para los humanos. Pero el albinismo no detiene a un animal de crecer y pasar su gen a la reserva de genes. Sin embargo, la mayoría de los defectos serios se suprimen rápidamente en el mundo salvaje. A menudo, los padres u otros en un grupo harán el trabajo rápida y seguramente, así las reservas salvajes de genes permanecen relativamente limpias. En contraste, los humanos tienen más de 4,000 trastornos genéticos, y varios de aquéllos matarán absolutamente a cada víctima antes de que la reproducción sea posible. Esto pide a ruegos la pregunta de cómo tales defectos podrían posiblemente entrar en la reserva del gen humana en primer lugar, y mucho menos cómo permanecen tan extendidos.
PARENTESCO GENÉTICO. Una estadística Darwinista favorita es que el genoma total (todo el ADN) de los humanos difiere de los chimpancés por sólo 1% y de los gorilas por solo 2%. Esto hace parecer como si la evolución es de hecho correcta y que los humanos y los primates son virtualmente primos de sangre. Sin embargo, lo que ellos no enfatizan es que el 1% de los tres mil millones de pares base del genoma humano es 30 millones de pares base–y para cualquiera “Usted Sabe Quien” que pueda diestramente manipular genes, 30 millones de pares base pueden sumar fácilmente una tremenda cantidad de diferencias.
Todo lo demás. Lo anterior son las categorías más grandes en discusión en las discrepancias entre los primates y los humanos. Hay docenas más listadas como subcategorías bajo una o más de éstas.
Para cavar más profundamente en estos fascinantes misterios, revise Las Cicatrices de la Evolución de Elaine Morgan ( Oxford Universidad Press, 1990). Su trabajo es notable. Y para una discusión más en profundidad de los misterios dentro de nuestros genes y aquéllos de las plantas y animales domésticos, vea “Todo lo que Usted Sabe Está Equivocado”.
Fuente:controlmentalnwo.blogspot.com